Johns and Rauschenberg vs The Greenberg Doctrine

In the Unites States of the 1950’s, where Robert Rauschenberg and Jasper Johns started to being recognized as prominent artists, on the political scene, the Cold War was raging. The American population was afraid of communists inside their own country. McCarthy started having a considerable amount of influence and commenced to pursuit people under the assumption that they were communists. Gays were also persecuted by this doctrine. On the art scene, the dominant form of art in the Unites States was Abstract Expressionism with its protector, the art critic Clement Greenberg. The kings of painting would be artists like Pollock, de Kooning, Neuman, Gorky, etc. Greenberg would act as a despot with very strict views about what art should and shouldn’t be. He claimed that everything that wasn’t Abstract Expressionist wasn’t art. For him, painting had to be differentiated from other types of art, such as sculpture, and have strict characteristics. A painting had to be flat, have an all-over presentation, a clean modern look and being masculine in an American way in order to distinguish itself from other art markets such as the French one. When Rauschenberg and Johns became widely known, they caused a stir because of their denial to follow these rules.

When Rauschenberg created his ‘White Paintings’ in 1951, he sent right away a big opposition to the Abstract Expressionist painters. He opposed the main purpose of Abstract Expressionism: outward expression. As Hopkins describes them,” they were passive receptors, awaiting events rather than prescribing sensations”. (p. 42). They were void of any expression; they were what their title really meant, they were white paintings. This brought forth the thought of how art should be perceived. Instead of overflowing the spectator with huge canvases of massive drippings and expressive lines, Rauschenberg left it to the spectator to feel what he would like to. Nothing was imposed to him; he was part of the art himself, creating and building it as the artist did. It is not about the spectator to seek the feeling inside the painting but to really feel it because the painting provokes him to. One could say that the White Paintings are also an attack to the Abstract Expressionist painters themselves because white represents purity and virginity, totally the opposite of the other American painters who where know to be heavy drinkers, womanizers and violent people (Hopkins, p.50). In fact, Pollock was following therapies because of his heavy drinking when he did his famous all-over paintings. Even though, Rauschenberg’s White Paintings do not oppose every aspect of the Greenberg doctrine, such as the all-over characteristic, it does critic its core element.

Another piece of work by Rauschenberg, which’s reputation is based on its impact it had on Abstract Expressionism is that of ‘Bed’. This piece created 4 years after the ‘White Paintings’ is a much more chaotic scene. The first American painters sought to liberate themselves from European influences in order to create a real, pure American art. For example, Pollock used primitive and native American art “as a wedge between himself and his awareness of Europe”.(Lynton, p.230). Greenberg was a fierce defender of this. Though, Rauschenberg travelled a lot in Europe, especially in France and Italy, where he was influenced by Alberto Burri to use body fluids as stains in his paintings as though it was part of the painting (Hopkins, p.49). This is very present in ‘Bed’ since this use of body fluids gives us metaphors of sexual connotations related to the object. Right from the start, Rauschenberg opposes Greenberg’s doctrine because his painting is not purely American, it has some European touch in it. By using body fluids, or at least what looks like it, Rauschenberg goes much farther than the Abstract Expressionists because, even if these artists sought to use ‘a full bodily involvement’ (Lynton, p.237) to reach full expression, Rauschenberg uses actual parts of his body in his paintings. Greenberg sought into Abstract Expressionism a purity of paint where it stood as a fine art, not mixing with others in order to make it independent. In ‘Bed’, Rauschenberg mixes various types of art and even objects of everyday life to join heterogeneous elements into one single work of art. This is what he will call his ‘Combines’. ‘Bed’ mixes painting, with sculpture and crafts. This was to be an unusual practice at the time. Moreover, the fact that he spreads and drips paint in a very abstract expressionist manner on top and leaves the bed sheets on the lower part criticizes the manly character that these American painters were very proud of. Indeed, Rauscheberg opposed the macho attitude that the abstract expressionist painters had by contrasting it with the bed sheet who would usually be a woman’s work. Even if this opposition is more present in ‘Erased de Kooning Drawing’, it is still translucent in this work. Finally, ‘Bed’ proposes the question about the use of art. Where Greenberg stated that art was to be for the experience of feelings, Rauschenberg raises the question in a Duchampian way. Even if ‘Bed’ is an expressive and stimulating piece of work, can it still be used, since its name hasn’t changed; it remains a bed, a dirty, tainted bed. Or did it become a work of art just because we put it in a vertical position. Rauschenberg All of these questions caused quite a stir in the American art scene because of their opposition to the most important art critic at the time.

Jasper Johns is another artist who had a certain disrespect for aesthetic boundaries and who sought to oppose Greenberg’s point of view regarding art. One of Johns’s works of art counterbalancing Greenberg’s theories is ‘Target with Four Faces’. The first contradiction with the critic’s point of view is the mix of arts. Even if in its majority, this work is a painting, on top of it resides four casts of faces. Johns purposefully overpasses aesthetic boundaries by mixing these two contradictory means. First of all this work of art is in 3D, where Greenberg wanted paintings to be flat. Though, it is important to decide what it is exactly, and how to perceive it. If we see it as a painting, were going to put aside the four casts. On the other hand, if we see it as a sculpture, then we would be cutting most part of the work. This sent a real controversy to the art world because it questioned Greenberg’s doctrine. Indeed, if we analysed this work as Greenberg wanted, it would be incomplete and misleading.
Maybe so, Greenberg’s way of seeing and cutting art is not as accurate as it used to, mediums can actually mix themselves to create homogenous works of art. Moreover, within the painted part of the work itself there is an opposition to the critics doctrine. Where Greenberg saw painting as being flat and clean, Johns gave him a painted surface that seemed flat and clean, but really wasn’t. Even if the lines of the target were totally flat, because they were concentric, the viewer would have an optical illusion and see the circles as being 3D. The technique he used, called encaustic, also gave it a sense of profundity and of dirtiness. Finally, this piece of work also challenged the way the viewer would relate to the work. Where Greenberg saw a more passive viewer, experiencing the artist’s expression of his inner feeling, Johns presented to us a work of art where the viewer would interact with the work. He could open and close the box covering the faces, thus modifying the work as he pleased.

In conclusion, Johns and Rauschenberg challenged the American artistic context of their time by doing works such as ‘Bed’ and ‘Target with four faces’ that opposed the major art movement of America and questioned the views of the dominant critic and rule maker of the art scene in the US in the 1950’s.

Bibliography

Hopkins, David, After Modern Art 1945-2000, Oxford; New York: Oxford University Press, 2000.

Lynton, Norbert, The Story of Modern Art. Ithaca, New York: Phaidon, Cornell University Press, [c. 1980] 1994.

Dada: Le Theorique vs Le Pratique

Dès le départ, le Dadaïsme était un mouvement artistique difficile à cerner. Ses poètes du cabaret Voltaire faisaient des poèmes en un langage d’onomatopées, se déguisaient avec des masques bizarres, et créaient des cacophonies de bruits inhabituels comme des klaxons. Ils étaient pourtant des artistes très politisés (Dachy, p.153). Essentiellement, crée d’étrangers allemands, français ou roumains qui fuyaient la guerre, les artistes du cabaret Voltaire croyaient que les politiciens étaient pareils partout, de viles têtes carrées. Ils croyaient que des mouvements artistiques tels l’expressionnisme allemand et l’impressionnisme français apportaient des sentiments nationalistes et qu’ainsi ils avaient servi à pousser les bourgeois à la guerre (Lynton, p.124). Leur ligne de pensée va donc vers en sens, ils veulent s’opposer à l’art et l’éliminer pour arrêter la guerre et l’influence des bourgeois assoiffés de pouvoir. Dans leurs slogans distribués partout dans Berlin, ces artistes énonçaient clairement leur volonté de détruire le monde des idées bourgeoises (Huelsenbeck in Chipp, p.376-377). Ainsi, cette idée de détruire l’art et de le politiser en même temps fait partie de la pensée marginale dadaïste. Par contre, comme avec le Futurisme de Marinetti, il faut vérifier si les idées des artistes promues correspondent bien à ce qu’ils ont fait. Je vais donc choisir trois œuvres de provenance allemande et chercher à voir si les thèmes qu’ils abordent font bien référence à la pensée dadaïste. C'est-à-dire si leur objectif est bien marginal aux arts et attaque ce qui est tenu pour sacré dans la civilisation occidentale ou à quel degré ces objectifs sont atteints.

Dans la pensée dadaïste, tout ce qui est relié aux abus de la bourgeoisie est renié. La guerre et tous ceux qui la font sont perçus comme destructeurs. Le capitalisme et les chaînes de montage sont aliénants pour les prolétaires. Même l’industrialisation est vue comme une arme d’exploitation des riches sur les pauvres. Ceci est évidemment une pensée nouvelle puisqu’en Allemagne on percevait le capitalisme comme étant bénéfique et qu’il fallait s’y rallier pour sortir l’Allemagne de son état catastrophique. Le dessin de George Grozs intitulé ‘At Five in the Morning’ nous présente une image de l’opposition des classes sociales qui se trouve en Allemagne pendant les années 20. Grozs situe trois hommes de la bourgeoisie en train de faire la fête à cinq heures du matin accompagnées de ce qui semble être des prostituées. À la façon dont Grosz dessine ces individus, avec leurs visages distortionés dans de complexions inhumaines de plaisirs et de mesquinerie, d’abus de substance et pourris par la vie mondaine. C’est une façon tout à fait controversée et peu répandue de présenter la classe dirigeante avec autant de dédain. La présence de ces deux femmes est emblématique puisqu’elles révèlent à quel stade méprisant ces personnages sont tombés. Il est clair qu’abuser d’alcool et de prostituées n’est pas une attitude exemplaire pour la classe dirigeante. C’est à ce moment que l’on voit la haine de l’humanité qu’habite Grozs (Lynton, p.140). Par opposition, dans la partie supérieure du dessin nous retrouvons les travailleurs de tous les jours, les prolétaires qui doivent partir à cinq heures du matin pour réussir à amener quelque chose à leurs familles. On peut comparer le luxe dans lequel vivent les individus au bas de l’image, dans des grands salons, avec des beaux vêtements, de somptueux canapés, des bouteilles d’alcool et la possibilité de se payer de la compagnie alors que les prolétaires du haut sont tout habillés avec des vêtements rapiécés et vivants dans des milieux sales et polluants. Ce dessin, remis dans son contexte est inhabituel puisqu’il était rare pour un artiste de contredire et insulter la bourgeoisie comme cela. De plus, il semble largement soutenir la classe travaillante et se porter à leur secours. Il démontre et critique les oppositions qui se retrouvent à l’intérieur même de l’Allemagne du début des années 20 et critique l’état dans lequel se retrouvent les choses. Il se moque d’une certaine façon comic-tragique de la manière dont abuse la bourgeoisie de ses privilèges alors que les pauvres doivent en subir les conséquences. Les dadaïstes de Berlin avaient de fortes opinions politiques et furent les premiers à critiquer ouvertement leur société non seulement pour choquer comme les futuristes, mais pour vraiment mener une opposition politique. Il n’est donc pas étrange que Grozs et d’autres membres dadas se soient joints au parti communiste pour s’opposer à la classe bourgeoise. Cette œuvre démontre la pensée dadaïste puisque l’artiste se considère plus comme un travailleur quelconque qu’un artiste. Comme le dit Huelsenbeck lui-même, « l’Art était là il y avait des artistes et des bourgeois. Il fallait aimer l’un et haïr l’autre » (Huelsenbeck in Chipp, p.380).

En 1925, Hitler écrit son livre ‘Mein Kampf’ (mon combat) dans lequel il propose l’idée de la race arienne et de la purification de l’Allemagne des autres peuples. Ce singulier personnage voulait créer une Allemagne unifiée, non seulement politiquement, mais aussi de façon ethnique. Pour lui, l’homme et la femme allemande devaient être grands, blonds et aux yeux bleus. En 1930, peu de temps avant qu’Hitler devienne chancelier de l’Allemagne, Hanna Hoch crée une œuvre particulièrement controversée. Elle s’intitule ‘Deutsches Madchen’ (Fille allemande). Ce n’est pourtant pas une jeune fille blonde aux yeux bleus qu’elle nous présente, mais une fille disproportionnée aux yeux bridés avec des cheveux noirs et un nez aplati. Cette image nous fait immédiatement penser à une fille d’origine asiatique, tout le contraire de ce que nous proposait Hitler. Cette contradiction aux idées du Reich à l’intérieur d’une œuvre artistique n’était pas quelque chose de commun puisque la grande majorité était contrôlée pour éviter l’opposition. Hoch s’oppose aux visions proposées par l’Allemagne de Hitler, car elle mènerait à la xénophobie et au racisme contre les homosexuels, les français, les juifs, les noirs et autres. C’est une véritable attaque au nationalisme allemande que de ridiculiser ses idéaux et tout ce dont auxquels ils sont attachés. Cette œuvre est également marginale puisque bien que le collage ne soit pas nouveau, le collage d’éléments hétéroclites pour former un ensemble cohérent à but politique est quelque innovant. Hoch s’oppose aux notions de race et d’ethnie qui sont si chère pour les partisans du nationalisme allemand. Également, a petite fille allemande va contre les notions de proportion qui sont essentielles pour l’art du début du XIXe et XX siècle. On peut remarquer que les yeux ne sont pas de mêmes proportions ni placés aux mêmes endroits. Le front et l’emplacement des cheveux sont également décalés. En somme, l’œuvre aborde le thème de la beauté avec une approche beaucoup plus spirituelle que les nationalistes allemands puisqu’elle s’intéresse à l’intérieur de l’individu. Alors que les nationalistes allemands se fixaient sur l’apparence et la beauté extérieure, Hoch parle de l’importance de la beauté intérieure. Pour elle, ce n’est pas important de quoi à l’air sa petite fille allemande ou quelles sont ses racines, car à l’intérieur d’elle-même elle reste allemande.

L’art dada, dans sa ligne de pensée, s’opposait à tout art du passé, car il déclarait qu’il avait aidé lors de la guerre. Notamment, le futurisme de Marinetti déclarait être pour la guerre et le voyait comme la seule façon de purifier l’homme (Marinetti in Chipp, p. 286). Aussi l’expressionnisme allemand des artistes du Die Brucke donnait un sentiment nationaliste aux Allemands et servait essentiellement la classe bourgeoise. Pour les dadaïstes qui s’opposaient à la guerre, ils devaient faire table rase avec l’art du passé et ainsi ne devenir rien pour atteindre un stade de paix et d’indifférence (Tzara in Chipp, p. 386). Idéalement, l’art n’existerait plus, elle ne serait plus jamais ce qu’elle avait été, un moyen d’expression sacré au profit de la bourgeoisie. Dans l’œuvre de Heartfield intitulé ‘The Meaning of the Hitler Salute’ on perçoit cette volonté d’abandonner des techniques du passé et se distancier de la peinture bourgeoise (Lynton, p.139). Heartfiled utilise du photomontage pour passer son message. Tout d’abord, il faut savoir que son œuvre est très dada puisqu’elle visait à atteindre le maximum d’individus et non seulement restreindre l’art pour les bourgeois et ceux qui pouvaient se payer l’Art par des moyens économiques. Il va faire imprimer son œuvre en 20000 exemplaires dans des magazines ou sous forme de feuillets pour les faire distribuer à tous, les riches comme les pauvres. Heartfield qui avait changé son nom de Helmut Herzfeld à John Heartfield pour montrer son opposition aux guerres allemandes lors de la Première Guerre mondiale décida d’utiliser le photomontage, car il n’était pas régulièrement utilisé par les mouvements précédents. De plus, cette technique donnait une impression beaucoup plus réelle à cause de la réalité apparente de ses constituants et passait son message plus effectivement dans la population puisque ce sont des découpages de magazines et des photos super imposées. En somme, la réalité des images augmentait la crédibilité du message (Lynton, p.137-138). Dans son œuvre, Heartfield critique l’idéologie politique dominante en montrant son dirigeant suprême comme étant une personne corrompue et manipulable par l’argent. Également, il critique la bourgeoisie comme un monstre de corruption et de contrôle politique se cachant derrière des figures. Comme l’avait fait Grozs, Heartfield critique ouvertement la classe dominante de supercherie et d’abus du pouvoir. Enfin, cette œuvre utilise une technique sporadique en art qui constitue à d’utiliser des mots pour rehausser l’impact de son image et ainsi faire de la véritable propagande politique.

En conclusion, tous ces artistes dadas avaient un désir de changer les choses. La guerre les avait dégoûtés et ils voulaient donc rompre avec elle en la ridiculisant et la dénigrant. Bien que chaque membre s’exprime de différentes façons, que ce soir par la peinture, la sculpture, le dessin, le photomontage, ils avaient tous un désir de reformer le monde (Lynton, p.134). C’est dans ce désir de réforme qu’ils se retrouvèrent donc en contre de leur propre culture et dans une position de marginaux de l’art et de la politique. Les œuvres de Hoch, Grozs et de Heartfield représentent assez bien cette pensée dadaïste d’opposition à l’art, à la politique et à leur propre culture.

Bibliographie

Chipp, Herschel B., Theories of Modern Art. Berkeley, Los Angeles, London: University of California Press [c.1968] 1966.

Dachy, Marc, The Dada Movement, 1915-1923, Geneva:Skira; New York: Rizzoli, 1990

Lynton, Norbert, The Story of Modern Art. Ithaca, New York: Phaidon, Cornell University Press, [c. 1980] 1994.

Échauffement planétaire : images d’un monde sous tension

La semaine dernière, je suis allé voir une exposition au Musée des Beaux Arts de Montréal appelée ‘Échauffement planétaire’. Avant même de rentrer dans la salle, je savais un peu à quoi m’attendre. Je savais que l’on traiterait du réchauffement planétaire. Pourtant une fois à l’intérieur, je fus heureusement surpris de découvrir que l’on pousse la gravité de la situation actuelle beaucoup plus loin. L’exposition met en scène des œuvres commentant des actes de terrorisme, de racisme, d’extrémisme politique et d’habitudes sociales qui mènent à des abus et des violences. « Si la destruction, la damnation et la catastrophe traversent toute l'histoire de l'art, ces réalités prennent aujourd'hui une forme et une signification alarmantes dont l'art est le témoin anxieux » explique Stéphane Aquin, conservateur de l'art contemporain au MBAM. Cette expo est une bouteille à la mer pour faire réfléchir les gens, mais surtout les faire agir.

Une des œuvres que j’ai préférée est celle de Michal Rovner. Très simplement, l’artiste nous présente l’individualisme et l’égoïsme de l’homme. C’est une pierre posée par terre, ou l’on retrouve au centre un creux en forme de demi-sphère. Un projecteur placé juste au-dessus de la pierre projette une multitude de petits individus qui tentent de monter par eux-mêmes, mais n’y réussissent pas. Dès le premier coup d’œil, cette mise en scène me fit penser à un dicton : Un pêcheur de crabes se retrouve avec deux paniers. Dans le premier, les crabes tentent de manière individuelle de sortir et dès qu’ils voient que l’un réussit plus que les autres, ils le tirent vers le fond. Dans le deuxième les crabes tentent de former une échelle pour sortir du panier et finissent par y réussir grâce à leur travail d’équipe. Dans l’œuvre de Rovner, si les individus se mettaient ensemble afin de créer une échelle pour sortir, ils y réussiraient. Par contre, ils ne pensent qu’à eux-mêmes et ceci leur bloque la vue aux profits de l’entre-aide. Peut-être que les hommes devraient arrêter de penser à leurs cas particuliers et voire les profits de l’entre-aide. Non seulement sur un niveau micro, mais aussi au niveau macro. Il semble qu’aider son prochain est pour Rovner la solution à notre crise présente. Une des nombreuses façons envisageables pour remédier à notre situation de violence, de haine et de peur. À la première minute de cette vidéo, on peut avoir une meilleur idée de l'ouevre de Rovner.
http://www.youtube.com/watch?v=xHxhy2iSgT8&feature=related

Tony Matelli est aussi un artiste présent à cette exposition. En fait, en rentrant c’est sa sculpture ‘Old Enemy, New Victim’ que l’on voit en premier. Matelli nous présente une sculpture de trois singes en train de se battre. La violence de la scène nous choque. Le premier, le plus gros se fait attaquer par les deux plus petits et plus maigres. C’est un travail dont les oppositions attirent. Gros versus maigre. Grand versus petit. Homme versus femme. Le fait que cette sculpture soit faite avec autant de précision et de détail impacte a la première vue. En regardant cette œuvre, grand nombre de personnes la prennent avec un regard distant, explorateur et critique vers autrui. On se dit que ces actes n’appartiennent qu’aux animaux comme le singe. Ils observent la scène comme ils regarderaient des étrangers se battre. Pourtant, il faut comprendre qu’on est descendants d’eux et qu’on est autant capable d’en faire autant. L’homme peut effectivement rentrer dans un stade de violence primitive qui ne caractérise habituellement que les animaux. Peut-être devrions-nous donc nous autocritiquer et pas seulement les autres, si l’on veut progresser. Cette sculpture peut autant représenter vous et moi en se battant, comme il le fait avec ce trio de singes. Tous les jours on entend de gens se battre violemment pouvant atteindre de niveaux extrêmes tels que le viol, le meurtre et la torture. Ces actes peuvent être causés par des raisons aussi simples qu’une dispute pour un peu d’argent. Il faut enfin arrêter de se battre impulsivement comme des animaux pour de raisons futiles et utiliser de notre caractéristique qui nous distingue d’eux : la raison. Il faut réfléchir. Cette œuvre pousse à l’autocritique et discrimine celui qui ne réfléchit pas avant d’agir.

Enfin, de Julie Moos, on peut voir Ken et Anita (2001), de la série « Monsanto ». Cette photo, parce que cette exposition nous présente plusieurs formes d’art, nous montre un homme et une femme, père et fille devant leurs plants de mais génétiquement modifiés. Il y a un certain humour dans cette photo puisque les éléments sont placés en échelle, comme pour mesurer les proportions de chacun. La position des personnages est singulièrement rigide. Quelque chose dans la scène ne semble pas naturel. Peut-être que Moos tente de faire comprendre que l’abus et l’outre-passage des lois de la nature ne sont pas naturels. Que nos valeurs à l’égard de la nature et le respect que l’on y accordait ont changé pour de nouvelles visions qui sont inhumaines. Ces deux individus ressemblent plus à des machines d’agriculture, dont l’efficacité est le critère le plus important, qu’à des humains qui cultivent de façon respectueuse la terre. Il faut humaniser nos rapports avec la terre que nous occupons. Il est démodé de croire que l’on peut user de notre terre sans penser aux conséquences pour elle et pour nous-mêmes aussi.

Bref, tous ces artistes nous préviennent sur la répercussion de nos actes et de leur impact certain sur les générations qui suivront. Toutes ces habitudes que l’on a et que l’on a apprises par apprentissage de nos parents et de notre passé doivent changer, on ne peut plus continuer comme ça. Déjà que la situation est très tendue maintenant, on ne peut se permettre qu’elle empire et atteigne de nouveaux niveaux. Surtout, car ce seront nos enfants ou petits-enfants qui l’auront à subir et pas nous. Le monde doit apprendre de ses erreurs et changer ses manières. Je pourrais rajouter qu’un facteur à rajouter à cette exposition est la popularisation de la violence par les médias et tout spécialement par le cinéma hollywoodien. Tous ces films allant des ‘Terminators’ et des ‘Rambos’ jusqu’à ‘Black Hawk Down’. On est tous habitués à voir des tueries, du sang et de la violence à la télé que grand nombre de personnes sans jugement vont ensuite croire que c’est la réalité et non quelque chose d’imaginé. Il faut réfléchir avec notre tête et nous dire que ce n’est pas réel et qu’il ne faut pas que ça le devienne.

Gauguin et Szilasi

Paul Gauguin, artiste de la fin du XIXe siècle, était un artiste clé, entre autres aspects par son apport de l’exotisme et de l’étranger aux français. Pendant une partie de son vécu, il est parti en Tahiti pour pouvoir trouver des images d’une culture non-occidentalisée et plus primitive et ainsi pouvoir le montrer au français. En effet, les français du milieu et de la fin du XIXé siècle n’étaient pas habitués à ce genre d’images. À des contrées qu’ils ne connaissaient pas. C’était une ouverture d’esprit culturelle pour les occidentaux. Un artiste contemporain pouvant avoir une attitude similaire est Gabor Szilasi. Ce photographe originaire de la Hongrie à récemment fait une exposition au musée des Beaux-arts du Canada ou il présentait entre autres, des photos de son pays natal la Hongrie et d’autres régions du Québec ou les gens ne vont pas nécessairement sur une base régulière. Pour les gens admirant cette exposition, c’est une véritable découverte de nouveaux paysages puisqu’on n’a pas tous la chance de voire la Hongrie avec les yeux d’une personne locale. Tel que Gauguin présenta au français, Szilasi présente au Canadiens une vue de la Hongrie, une vue sur ses coutumes et sur ses gens. C’est une découverte culturelle pour tout visiteur.

Ce lien permet de voire des oeuvres de Gauguin, dont nous venos de discuter.
http://www.youtube.com/watch?v=su32RX4fihE

Turner and Burtynsky

Turner est un peintre anglais de la fin du XVIIIe et début XIXe siècles. Très jeune il sera reconnu comme un des grands artistes anglais de son époque. Il savait manier les couleurs et les sentiments ressentis par le spectateur d’une manière exquise. Par contre, c’était un homme difficile et marginal. Il avait un mauvais caractère et aimait la solitude. Il lui arrivait souvent de peigner avec ses doigts et ne coupais pas ses ongles pour ainsi tracer des lignes sur sa toile. C’était un artiste qui cherchait à émouvoir le spectateur des fois par des sentiments heureux d’admiration et de délicate beauté et d’autres fois la nostalgie, l’horreur, la solitude, la désolation, la pitié, la cruauté et la destruction. Sa technique est particulièrement saillante par sa forme de nous embrumer la vue et de nous plonger dans l’incertitude ou de nous donner de rudes détails de violences monstrueuses tout dépendants du tableau. Un thème récurrent pour Turner est celui de la mer et de sa puissance. Par exemple dans son tableau ‘Fishermen at Sea’, Turner nous présente la mer comme une force en attente, qui se prépare à se déchaîner au cas où les marins feraient quelconque erreur. La peinture nous donne une sensation de solitude par la présence solitaire des marins au milieu de la nuit, perdues dans cette mer préoccupante. Les couleurs obscures de la nuit renforcent ce sentiment de désolation et la lumière de la lune sert à ce que le spectateur se concentre sur le sort des marins. Tout dans le tableau est dans la sensation su spectateur.


Pourtant, Turner n’était pas qu’un artiste de sensations, il était également un artiste avec des opinions et un message à passer. Par exemple dans son tableau ‘The Slave Show’, on perçoit la puissance de la mer qui engloutit et qui libère de ses entrailles des monstres qui déchiquètent les esclaves jetés à la mer. Ce tableau à quelque chose de très particulier puisqu’il prend position sur des aspects sociaux et politiques de son époque. En effet, ayant été influencé dans sa jeunesse par Falwkes, un homme de la bourgeoisie anglaise ayant de fortes opinions politiques, Turner s’oppose à l’esclavagisme. C’est un tableau très contemporain et pointu sur les polémiques de son époque. Il nous rend compte de cette cruauté de l’homme et de sa force destructrice puisqu’il est capable, telle que la mer, de tuer et de sacrifier des gens pour les laisser tomber dans l’oubli. Enfin, dans son œuvre, ‘The Fighting Temeraire’, il nous donne cette préoccupation très contemporaine pour lui qui est celle de la nostalgie du passé et cette impatience, mais tout de même incertaine pour le futur. Il prévoit de grandes choses, mais un doute reste tout de même.

Un artiste contemporain qui peut traiter des sujets actuels en prenant position comme l’a fait Turner tout en faisant ressentir des émotions de tristesse ou d’anxiété est le photographe Edward Burtynsky. Dans ses photos, Burtynksy veut nous faire ressentir de la honte pour cette force dévastatrice que l’on a imposée sur la nature. À travers son travail intitulé ‘Oil’ on à accès à des photos d’endroits ou habituellement on n’entendrait pas parler puisqu’ils présentent des endroits ravagés par l’homme, laissant la terre moribonde. Contrairement à Turner qui nous donnait la nature triomphante, ici c’est l’homme qui triomphe grâce à sa technologie. Les rôles ont été inversés dans notre contexte contemporain ; l’homme détruit et la terre subit. Après la vision de son travail sur la cruauté de l’homme et de l’usage que l’on à donné au pétrole, une question se pose : mais qu'est-ce que cela nous apporte vraiment d’épuiser notre planète ainsi et de la ramener à un presque rien. Les images des champs d’exploitation de pétrole abandonnés en Azerbaïdjan, les pétroliers hors d’usages au Bangladesh et les dépotoirs aux États-Unis font en sorte à ce que le spectateur ressente une tristesse pour ce que l’on fait et qu’il prenne position sur le sujet de l’environnement. Tel que Turner c’est une nostalgie pour le passé et une préoccupation pour le futur.

Pour voire plus de photos de Burtynsky, cliquez sur le lien ci dessous:
http://www.edwardburtynsky.com/

Cézanne now and then

En 1850-70 les salons d’été et autres expositions d’art qui avaient lieu à Paris nous présentaient des artistes comme Courbet, Manet, Monet et autres. Pourtant à cette époque va également arriver un autre type d’artiste. Un homme solitaire et reclus. Il se nomme Paul Cézanne. Cet homme doté d’une vision nouvelle peignait ses tableaux de la façon qu’il voulait. Il peignait ce qu’il voulait comme il le voulait et ne cherchait pas se faire classer dans quelconque mouvement que ce soit. Il voulait particulièrement éviter de se faire mettre avec les impressionnistes. Cézanne déclarait qu’en représentant la nature ou n’importe quel sujet de notre choix il fallait ressentir également ce que l’on représentait.

Ayant eu une des relations compliquées de dominance avec son père, une relation avec Hortense avec qui il aura des enfants, mais qu’il cachera au monde, sa déception amicale avec l’écrivain Émile Zola et sa réclusion en fit un homme compliqué et rempli de troubles de passions, quelqu’un de difficile à cerner. Pour ses contemporains qui cherchaient un sens à ses tableaux et qui n’en trouvaient pas, c’était un homme sans goût et qui peignait avec disgrâce. Il va aplatir l’image en enlevant la perspective académicienne et rendre ses sujets par des formes géométriques. La seule profondeur qui va s’y trouver c’est celle causée par ses couleurs. Il va enlever les lignes de ses maisons dont les coups de pinceau ne feront que les insinuer créant ainsi une illusion optique.

Pour Cézanne, la forme et non le contenu était ce qui était le plus important. Cela veut dire que ce n’est pas le sujet peint, mais plus la façon de le peindre qui est importante. Enfin, le dernier aspect de sa peinture sera sa vision pluraliste d’un même objet. Il va donc présenter une scène de différents angles. Il est triste de penser que cet artiste ait été poussé à la réclusion à cause de son caractère et de ses techniques différentes. Pourtant, ce fut un mal nécessaire puisqu’il ouvrit la voie à la modernité et à la liberté des artistes. Placé à notre époque, Cézanne n’aurait certainement pas été traité de cette manière.

Certes son désir d’innovation et de trouver son propre style pour rester en dehors de toute classification se retrouve présente également dans grand nombre d’artistes comme Jackson Pollock, Kline, De Kooning, Rothko et Noland. De nos jours, les artistes ne sont plus classifiés comme avant dans des mouvements précis ou même à savoir s’ils faisaient partie de l’académie ou pas. Son individualité serait donc grandement respectée. De plus, le marché de l’art est beaucoup plus ouvert de nos jours qu’il n’était à l’époque de Cézanne. Maintenant ce n’est pas une poignée de juges de foires d’art et de critiques d’art qui décident de comment devraient se faire les choses, de ce qui est de l’art et de ce qui ne l’est pas. Pourtant, puisqu’à son époque Cézanne était tout le contraire de ce qu’étaient les artistes, et que son art était complètement innovateur, il fut placé comme artiste marginal et hors-norme. Au XXIe siècle il ne serait pas aussi marginal, car la possibilité d’individualité et de marginalité pour les artistes s’est découplée. Peindre de façon étrange n’est plus hors du commun. Vivre dans la parfaite réclusion et avoir des enfants qu’on cache n’est non plus pas rare. On à tellement de nouveaux artistes et d’écoles d’art ou des étudiants testent de nouvelles techniques et expérimentent en faisant ce qu’ils veulent et en nous montrant leurs pressentiments que ne pas faire et de ne pas ressentir comme tous les autres est vu tous les jours. Cela n’empêche pourtant que Cézanne fut une révélation pour son époque et qu’il ouvrit la voie à la liberté de l’artiste et influença grandement des futurs mouvements comme le cubisme de Picasso. On en viendra même à l’appeler le père de la modernité.

Rococo Vs Néo-Classicisme

L’année de 1715 apporta aux Français la mort de Louis XIV, le Roi-Soleil. Alors que celui-ci était un homme dur et qui tenait son royaume dans la paume de sa main, son successeur Louis XV n’était pas du même cran. Les aristocrates français qui vivaient avant au palais de Versailles sous l’œil tout-puissant se trouvaient maintenant plus libres. Ils décidèrent de se laisser aller et d’en fin pouvoir profiter des avantages que pouvait leur apporter leur statut. Une façon avec laquelle ils vont exprimer cette liberté c’est à travers l’expansion que prendra la nature. Celle-ci sera le symbole de leur liberté et de leurs plaisirs.

Par exemple, ‘La Balançoire’ de Fragonard est un très bon exemple de Rococo. Ce tableau démontre la passion pour les relations charnelles et amoureuses qu’entretenaient les aristocrates du début du XVIIIe. La jeune fille prend grand plaisir à se balancer comme une petite fille au milieu de ce bois et lève innocemment la jambe pour que le jeune homme par terre puisse entrevoir à l’intérieur de sa jupe. De plus, sa chaussure part en l’air dans son élan. Ceci peut être vu comme une piste pour la nudité. C’est de la coquetterie pure. Probablement qu’au temps de Louis XIV, les jeunes filles de la cour n’étaient pas permises de se balancer comme des gamines et d’entretenir des relations amoureuses avec quiconque. Également, la couleur de la jupe de la jeune fille est d’un rose très enfantin. D’une douceur enfantine. La fille représente les plaisirs innocents de la jeunesse. Enfin, la façon que la nature à envahi l’architecture est véritablement l’opposé au contrôle qu’avait Louis XIV sur ses jardins à Versailles ou tout était contrôlé et mesuré. Ici la nature se laisse aller, pareil que les hommes le feront avec leurs concubines.

Pourtant, cette époque de plaisirs et d’abus de la part de l’aristocratie ne va pas durer. Vers le milieu du XVIII siècle des philosophes comme Diderot, Rousseau et Voltaire vont vouloir rationaliser les sentiments. Pour arriver à ce sens de rationalité ils vont puiser dans l’art de l’Antiquité et dans des thèmes mythologiques. D’autres seront rechercheront cette rationalité par des sujets actuels. Également, ils vont s’intéresser aux gens du peuple pour faire opposition à l’art du Rococo qui se fixait seulement dans les plaisirs de l’aristocratie.

Dans le tableau de Francisco Goya intitulé ‘The shootings of May 3 1808’ l’artiste nous présente une scène actuelle : la fusillade d’un homme par des troupes françaises lors des guerres napoléoniennes. Un des aspects les plus révélateurs de l’œuvre est le titre. Celui-ci ne nous raconte pas la mort tragique d’un homme important comme dans le tableau d’West présentant la mort de Wolfe ou même d’un personnage historique. C’est donc la mort d’un homme inconnu, d’un martyr de la guerre qu’on met à genoux pour le fusiller pour un acte que l’on ne connaît pas. Ici Goya nous montre son intérêt à présenter la vie des tous. De plus, le titre sert comme élément réaliste dans l’œuvre, car elle raconte un événement historique contemporain à son temps. Tout ceci est très opposé au Rococo qui ne s’intéresse ni à la vie des gens du peuple ni à des événements contemporains. On pourrait dire qu’ils sont isolés dans leurs désirs.

Enfin, de par la taille du tableau, qui est d’un mètre par un mètre trente on comprend quelle importance Goya donnait à sa scène. Habituellement les grands tableaux étaient réservés pour des évènements historiques de grande importance, donc le fait que Goya l’a peint dans ces dimensions démontre un grand intérêt pour la vie des gens du peuple et la réalité dans laquelle ils vivent. Enfin, dans ce tableau on ne se concentre pas sur la sensation que peut nous procurer le tableau comme dans le Rococo, mais sur la rationalité des sentiments. On perçoit les émotions dans le tableau, la détresse du condamné, la souffrance des observateurs, mais on ne la ressent pas de la même façon.